STEFANIA ORRÙ - un Intervista:
Oltre le apparenze, decodifica la natura della nostra esistenza
Zoë: in uno dei nostri primi scambi, mi hai scritto che la percezione definisce quasi tutto nella nostra vita e che imparare a ritrovare la capacità di percepire intenzionalmente e perfezionare questa capacità è fondamentale per la nostra integrità. Hai anche detto che un dipinto è come uno specchio, che rappresenti un volto o solo una collezione di colori ... che è uno specchio di ciò che percepiamo e di ciò che siamo e - in rari casi - dei misteriosi meccanismi che determinano ciò che potremmo essere, se abilitati a connetterci con il nostro essere essenziale (Luce!).
Qual è la tua comprensione della natura della percezione?
Stefania: La mia storia di pittrice inizia con un'immagine, la percezione di qualcosa che era… l'immagine di me stessa: non come una personalità specifica ma come un qualunque essere umano. Ciò che si manifestava nella mia pittura non era qualcosa che entrava attraverso gli occhi, arrivava alle mani e poi appariva sulla tela o qualunque fosse il supporto utilizzato. Era ed è ancora qualcosa che si forma, in qualche modo, da tutto ciò che compone il mio essere. Quando ero più giovane, all'inizio, era molto semplice, ciò che appariva sulla tela era un'immagine del mio corpo e il modo in cui mi sentivo nell’ essere immersa in questo… in tutto ciò che esiste, essendo composta da questo tutto. Non lo facevo in modo molto consapevole, lentamente mi sono resa conto di quello che stavo facendo mentre dipingevo. Nel corso del tempo il mio soggetto è diventato meno "fisico" e le immagini che un tempo erano riflessi del mio corpo, sono diventate più stilizzate e hanno iniziato a rappresentare meccanismi interni.
Z: Intendi non come funziona il corpo reale e gli organi, ma l'energia che ci lega insieme come esseri umani. In breve, la nostra essenza, come indicato nella frase "un essere spirituale che ha un'esperienza umana" rispetto a "un essere umano che ha un'esperienza spirituale"? Quindi il tuo lavoro ha iniziato a esplorare quel meccanismo?
S: Esatto, anche se questo era un livello ancora solo psicolagico. Sono andata avanti per molto tempo. Quindi ho espresso la necessità di concentrarmi nella rappresentazione del volto, il mio volto, non specificamente in un autoritratto, ma lavorando su un’ immage che diventava una specie di ponte, un dialogo tra ciò che vedo e penso di essere e questa immagine che appariva lentamente sulla superficie del dipinto e questo dialogo mi ha “insegnato” a percepire di essere qualcosa di più di ciò di cui di solito sono consapevole, qualcosa di misterioso e sottile allo stesso tempo. L'ultimo passaggio che ho fatto ha approfondito la percezione in una sorta di dissoluzione delle forme, e nella sensazione che tutto sia fatto di particelle molto piccole e queste particelle sono in realtà un sorta di sostanza in cui nuotiamo. Questa sostanza è legata a ciò che vediamo e ciò che sentiamo fisicamente - perché in realtà è ciò di cui siamo fatti - ma non deve necessariamente essere compreso in modo strettamente visivo.
Z: Vuoi dire che possiamo toccare la superficie di qualcosa, persino i nostri corpi, e pensare che sia solido, ma che la realtà delle cose è molto più fluida?
S: Sì. Il modo in cui percepiamo noi stessi è estremamente legato a processi molto mentali, pensiamo di essere fatti di due braccia, due gambe, il corpo in generale e ciò che contiene. Ma questo tipo di percezione è solo uno strumento, ciò che possiamo realizzare è che siamo soggetti a una connessione fondamentale che ci lega sottilmente a tutto ciò che ci circonda. Penso che questa realizzazione avvenga spesso per un artista, quando è immerso nella percezione della luce. Di recente mi sono trasferita in Sicilia e quando sono arrivata, ho avuto la sensazione di essere circondata da una luce molto forte mescolata a molta oscurità: attraverso questo mix di cose ho iniziato a percepire i colori molto di più e questo ha creato uno stato diverso in me. Ho sempre più spesso la sensazione che ciò che vediamo davvero è come un unico grande codice, ovviamente non ci sono numeri o formule matematiche e chimiche che vanno su e giù tutt'intorno e non è un solo linguaggio ma un sistema di linguaggi molto complesso, si tratta di riuscire ad aprire quel canale…
Non sto cercando di dire che possiamo volare o praticare il teletrasporto! (anche se forse ne siamo capaci, non so) Ma che possiamo renderci conto che la vita esiste su molti più livelli di quanto possa sembrare inizialmente e il livello di noi che siamo qui in questa realtà, legati nella società, dove abbiamo i nostri ruoli e le nostre relazioni, mangiamo, usciamo, lavoriamo… è come un grande gioco… ed è bello e ha il suo significato: è qualcosa che ha un valore ma è solo una parte, non è tutto.
Ho vissuto questa esperienza: a poco a poco grazie alla pittura, ho iniziato ad avere la sensazione di essere in contatto con una sorta di presenza… posso probabilmente chiamarla la mia essenza? Penso che questo sia stato il risultato di tutti i grandi volti che ho dipinto. Tecnicamente e non solo, erano molto legati alle antiche icone: quindi i miei dipinti in quel periodo erano davvero questo specie di ponte tra il mio stato attuale e il potenziale che c'era in me, mi verrebbe di dire: un sentimento di connessione con Dio, ma non voglio specificare ... è un liguaggio sottile, non religioso…
Z: Forse un senso generale di qualcosa che va oltre la nostra comprensione?
S: Penso che "oltre" sia la parola giusta, quando ho iniziato a sentire questa connessione mi sono improvvisamente resa conto - in senso fisico, emotivo e mentale – del motivo per cui il nostro essere qui ha un significato così grande. Mentre prima si trattava di bellezza o di qualcosa di più o meno bello, più intensità o meno intensità, ora si trattava di capire il perché della mia presenza qui. Quando ho incontrato il dono di sperimentare questo contatto, improvvisamente mi sono sentita come se avessi capito il motivo per cui siamo qui, così impegnati a rimanere coinvolti in questo gioco, non solo ora ma in epoche passate che si proiettano verso il futuro. Mi è divenuto chiaro il fatto che qualunque cosa io attraversi in questo vita ha senso a causa di ciò che sento, non posso più nemmeno dire se è positivo o negativo, cio che mi accade è lo strumento attraverso il quale posso sentire questa connessione con quella che, credo, può essere chiamata "essenza". Sperimentare questa connessione fa davvero la differenza, ecco perché diventa molto difficile parlarne, non è più così semplice come guardare il problema dall'esterno e descrivere una scena che si ha di fronte. Applicato a ciò che si fa nel proprio linguaggio creativo, per me, se prima era un volto, ora è come la necessità di dipingere tutte le particelle di questo volto e queste particelle sono tutte intente in qualcosa, e ognuno di questi punti luminosi è come il centro di un universo. Quindi, il volto scompare, non è più importante formare un'immagine riconoscibile.
Z: Perché è un'emozione piuttosto che un esercizio o un processo analitico.
S: Esatto, non sai cosa sia realmente e l'emozione è davvero profonda, quindi non puoi nemmeno spiegarla con parole normali come "tristezza" o "gioia". È qualcosa che forse può essere spiegato solo con i suoni: in effetti, a volte, quando sono davanti ai quadri su cui sto lavorando in questo periodo, “sento” dei suoni, mentre, prima era come se ci fosse una sorta di dialogo in corso, nella mia mente si formavano parole e frasi.
Z: È interessante notare che tutte le parole e le frasi complete che hai percepito entrare nella tua mente mentre lavoravi sono diventate suoni, come se le loro particelle fossero state disperse e ridotte al loro stato elementale - e allo stesso tempo così accade nei dipinti. Questi due processi sono avvenuti contemporaneamente e come una cosa naturale?
S: Sì, è tutto molto naturale e devo dire che non stavo cercando questo sviluppo. La mia ultima mostra era basata su soggetti figurativi, si chiamava "Prima Luce" e raccontava in realtà la storia di una nascita. Ho sentito molto fortemente la mostra. Per me si trattava di rievocare, non il momento della mia nascita perché non sono sicura di come si sia svolto, ma le sensazioni che lo circondano. In sostanza, le opere descrivevano il contrasto tra oscurità e luce: il soggetto era in piena luce e il resto era solo oscurità.
Z: È strano pensarci, non ho mai pensato prima al momento della mia nascita.
S: Mi è successo spesso che molte cose che sono arrivate nella mia vita erano collegate a ciò che stavo per fare e mi hanno ispirato, anche incontrare qualcuno o concentrarsi involontariamente su qualcosa possono essere dei segnali di cio che sta per accadere...
Z: Serendipity.
S: Tutta la mia vita è stata così, in questa storia particolare che mi ha portato a quella mostra, ero molto incuriosita dalla nascita, dal momento in cui un bambino viene alla luce e ho iniziato a pensare davvero a questo momento. Forse tutto è iniziato perché in qualche modo ho sentito che stavo tornando in vita dopo una specie di morte. Questo è ovviamente l’aspetto psicologico, ma il periodo che ha preceduto quella mostra è stato il primo momento del mio percorso in cui ho potuto sentire questo luminoso cambiamento ... poi - si spera - continui a sentirlo per i successivi centoventi anni della tua vita! (ride)
Z: Qualcosa doveva cadere e dissolversi per permetterti di trasferirti in questo nuovo spazio?
S: Suppongo di si, dopo questo passaggio l'immagine è completamente scomparsa. Sai che sono sempre stata lì nei miei quadri per molti anni e poi sono svanita e invece di me adesso c'è tutto il resto, che sono anche io! Ad esempio, trovo molta ispirazione nei disegni dei tappeti antichi, è qualcosa su cui da anni avrei voluto lavorare, ma fino ad ora non ne ero mai stata capace. Apprezzo il modo in cui, in un certo senso, rispecchiano la natura - una natura astratta ma dove ci sono ancora fiori e forme riconoscibili, è come una "natura sistemata" [messa in ordine]; trovo uno schema dentro queste forme e questi colori, scopro la struttura sottostante di questa natura, fondamentalmente traccio linee e sulla base di questa struttura inizio ad aggiungere punti di colori che possono essere come fiori o foglie, questi colori creano una vibrazione sulla superficie, quindi posso collegare questi colori usando altre linee o magari li faccio scomparire e poi riapparire e c'è questa specie di stratificazione di livelli di visione che non sono più un'immagine o una rappresentazione che segue il modello originale, ma sono la percezione intuitiva di ... di tutto, in qualche modo.
Z: Questo ci porta alla mia prossima domanda che riguarda l'anima, per il fatto che stai creando qualcosa che vibra a così tanti livelli diversi, come hai detto, e che entra e esce, non è una cosa, sono molte cose: questa moltitudine che è l'universo così come è vissuto. È come se parlassi da un'anima all'altra, ed è questa la sensazione che ho provato quando ho visto i tuoi dipinti per la prima volta due anni fa, una reazione immediata a cui non avevo nemmeno pensato. Di solito sono molto commossa dall'arte figurativa, e non sono mai stata molto interessata alle opere non figurative, ma i tuoi nuovi dipinti che collegano il fisico e il "sentimento" mi hanno convertito. Anche se non sono strettamente figurativi nel senso a cui siamo abituati. Quindi questa idea di comunicare anima con anima e che ciò che crei è una sorta di narrazione - qualcosa di più di un oggetto - più di una rappresentazione di un corpo o una mappa di una visione del mondo che ci circonda, ma incarna invece la sua essenza distillata: è per questo che le persone sentono una connessione così forte con il tuo lavoro?
S: Per me è una specie di mistero che non posso davvero spiegare. Ma a volte penso di aver praticamente iniziato a dipingere, non perché lo volessi, ma in risposta a una specie di chiamata. E penso che la mia posizione nei confronti della pittura e dell'arte in generale non sia molto moderna, è antica, simile a quella delle persone incaricate di creare una Madonna, un Santo o le storie della Bibbia in epoca medievale. Tutta l’arte di quell’epoca mi ha sempre dato un’emozione molto profonda. Quindi penso che la posizione artistica in cui mi trovo mi faccia stare di fronte a un dipinto come se non fosse il mio. Il processo non inizia con pensieri come "voglio dire questo" o "voglio fare questo", è un mistero che io sperimento, tutta questa cosa, è come se fossi qui di fronte a questo oggetto e mi sento spinta a fare e non so ancora di preciso cosa accadrà, finchè non inizio. Ma non posso dire che ciò che viene fuori viene da me, dal mio "io". Non so da dove provenga, io sono più che altro un'assenza e questa mia assenza non disturba il passaggio di informazioni.
Z: Quindi stai creando lo spazio così che possa essere riempito, non lo stai bloccando con la tua agenda?
S: Sì, non provo a riempirlo con qualcosa che penso sia importante, perché anche se potrebbe essere di una certa qualità, sarebbe inferiore a quello che succede senza che io mi intrometta.
Z: Ed è esattamente quello che mi hai scritto, quella chiave è l'equilibrio tra il modo in cui un'opera d'arte è realizzata e il prodotto estetico finale. Puoi avere qualcosa che è esteticamente molto preciso ma che è completamente senza anima.
S: Sì. Quando lavoravo con le immagini - ed è qualcosa che forse rifarò - intendo spero di raggiungere quel livello in cui queste due cose possano agire come in un'oscillazione tra il visibile e l'invisibile. Penso di poter riguadagnare il potere di dipingere le cose, la dimensione di noi esseri umani qui su questo pianeta, tutti insieme, a fare ciò che dobbiamo fare, ha valore: se ti siedi qui e guardi fuori dalla finestra e vedi una sorta di bellezza essenziale e puoi dipingere allora, perché no?
Z: Non c'è niente di sbagliato nell'apprezzare le cose quando appaiono nella loro forma solida, ma il punto è che è solo una percezione.
S: È solo una percezione a meno che tu non abbia acquisito una capacità percettiva che ti consente di raggiungere l'altro lato anche solo guardando la finestra e dipingendola esattamente come è. Ma hai fatto un'altra domanda ... nei dipinti figurativi che ho creato avevo alcune cose che fungevano da punti di riferimento. Se era un viso che stavo dipingendo, c'erano due occhi o un occhio, il naso e la bocca e tutti i miei movimenti ruotavano attorno a queste forme. Che si trattasse di una faccia o di un corpo, ero comunque guidata perché c'era questa regola: la regola era la forma e mi faceva sentire sicura in un certo senso, ma dall'altra parte creava una sorta di imbarazzo perché l'immagine finale riduceva il potenziale contenuto nel processo.
Z: È molto interessante perché noi come osservatori non lo sentiamo necessariamente ma tu lo sai perché hai sentito quella frenesia di qualunque cosa fosse ...
S: Probabilmente. Quando dipingo per la maggior parte del tempo non so esattamente cosa sto facendo. Se stiamo parlando di questo nuovo modo di dipingere che è emerso di recente, che è definito da considerazioni più astratte, parto dalle immagini ma non le uso come centro attorno al quale muovermi: l'immage iniziale è più simile a una specie di porta, l'apertura per iniziare un viaggio. Ad esempio l'ultimo dipinto che ho realizzato, era per una mostra che stava per inaugurare, è iniziato come una specie di tappeto [come menzionato in precedenza], ed è diventato così tante cose tra l'inizio e la fine. Ero così immersa nel processo, l'ho seguito e alla fine il dipinto era molto diverso da come era all'inizio. Non riuscivo davvero a controllarlo. A una settimana dall'apertura della mostra avevo trascorso due settimane a lavorare su questo processo di oscillazione e pensavo di averlo perso questo dipinto, stavo dicendo "ok, questo non arriva!" Mi sentivo dispiaciuta e stanca e mi mancava un quadro per la mostra. Due giorni prima dell'inaugurazione ho avuto un ultimo incontro con lui: alla fine non era quello che mi aspettavo, ma ho sentito che il dipinto aveva finalmente raggiunto ciò che voleva raggiungere e quindi grazie a Dio! (Ride) Ho pensato, se sei felice, sono più felice di te! Poi è diventato il mio preferito. È un'approvazione leggermente materna; a volte mi sento un po 'come se fossi una madre che cerca di sistemare le cose ed evitare che qualcuno si faccia male.
Z: Ma questo non suona strano, voglio dire, non ho mai sentito nessuno parlarne in questo modo, ma non ne sono sorpresa. Penso che sia una cosa bellissima.
S: Sì. Prima di questa nuova fase ho sempre avuto l'impressione che ci fosse una sorta di imbarazzo alla fine, mentre ora sono libera dai miei dipinti una volta terminati. Sento davvero, non una distanza, ma una specie di distacco. Il dipinto è completamente se stesso - se esce ovviamente - se non viene fuori forse vuol dire che non deve essere o forse ha bisogno di più tempo, forse anni, girato contro il muro ad aspettare. Quello che ho notato è che questo processo è più naturale e meno basato sulla volontà del pittore, dell'artista, la volontà dell'artista è davvero nulla. L'unica volontà che puoi avere è la volontà di farlo! ... (Ride)
Z: Non è difficile sedersi sulla sedia per scrivere o mettersi davanti alla tela per dipingere, è quella spinta a iniziare davvero che lo è. Nella mia esperienza non è come se uno si svegliasse sempre e dicesse "oh, penso che andrò e ..." non tutti i giorni comunque! È la procrastinazione che ostacola la creatività per me, così spesso, o è la paura? Chissà?
S: Sai cosa faccio, vado in studio quasi ogni giorno, davvero, ma ogni mattina, prima di entrare nella stanza in cui dipingo, mi dico che devo fare molte altre cose (ride). È una sorta di sentiero tortuoso, ad esempio prima di dipingere devo sistemare le scarpe in un certo modo o il tappeto in un altro... non è mai lo stesso, ma è una specie di percorso domestico che alla fine mi porta lì ...
Z: È un fenomeno così strano, non ha senso farlo, ma è così comune in così tanti di noi!
S: Ma questo è quello che stavo davvero cercando di dire prima, quello che pensiamo di essere non è quello che siamo e quindi anche come hai appena detto, puoi guardarti, osservare te stesso e sentire l'impulso di chiedere: “chi sta facendo ciò che sto facendo e chi sta pensando a cosa dovrebbe o non dovrebbe fare e perché?” Quindi penso che più ci liberiamo dell'incessante pensiero di ciò che siamo e più ci connettiamo realmente con ciò che siamo, e ciò che siamo realmente diventa strabiliante! (forse a quel punto sarebbe meno complicato entrare in studio per me, o iniziare a scrivere per te, sentiremmo semplicemente che è il momento giusto e inizieremmo a farlo in grande serenità…)
Z: Ciò che siamo veramente è oltre il regno del pensiero - sì, strabiliante è una buona parola!
S: Probabilmente non è nella volontà degli umani decidere se sedersi e mettersi a disposizione di questo meccanismo o come vogliamo chiamarlo, ma poi non si tratta nemmeno di noi o della nostra volontà di ottenere la connessione.
Z: Lo vedo come una specie di grazia, se ti metti nella posizione in cui stai riconoscendo con gratitudine tutto ciò che potrebbe essere ricevuto, allora potrebbe arrivare o meno, ma è il tuo compito metterti in quello stato perché altrimenti la creatività o quella connessione con la divinità dentro di noi o qualunque cosa tu voglia chiamarla, non sorgerà mai ... è bello poter condividere questa sensazione con qualcun altro!
S: Personalmente, mi fa sentire sicura perché mi permette di capire che questa non è una sorta di cosa immaginaria che solo io attraverso, no, è reale - questa è la realtà. Quindi questa connessione è reale, non è una questione di filosofia, sebbene la filosofia può essere utile. Questa connessione è ovviamente qualcosa che si diventa sempre più capace di sentire e seguire con la pratica ed è un grande esercizio. Le persone non vogliono sempre farlo perché in qualche modo ti allontana da cose che sono più piacevoli su un altro livello.
Z: Beh, io ad esempio ricordo la mia laurea in filosofia come una specie di sofferenza, pervasa da una sensazione di completa disintegrazione di tutto ciò che sapevo. E mentre divoravo le opere dei miei filosofi preferiti avrei raggiunto una sorta di picco e poi ci sarebbe stato questo momento completo di assoluta euforia in cui era come se avessi visto tutto e capito tutto ma non più con l'aiuto di parole o immagini: il regno in cui ero entrata era al di là di quei costrutti. Probabilmente questo durava alcuni istanti e poi impallidiva, e il ciclo sarebbe ricominciato con questo sentimento di disperazione, di non poter mai più capire me stessa e il mio posto nel mondo a quel livello. È l'unica volta in cui qualcosa mi è successo in modo tale che mi sento in grado di identificarmi con te quando parli di arte - è questa corsa di qualcosa di così profondo e così diverso e hai davvero camminato lungo la strada per arrivarci e la strada era così incerta. Ed è una specie di sofferenza in un certo senso, non una sofferenza che vorrei non fosse accaduta, ma una sorta di sentimento di disagio come se stessi abitando continuamente un mondo in modo tale che mi mancano i fondamenti del mio stesso essere Qui. E che sto cercando di raggiungere questa comprensione e sto sbattendo contro una specie di lastra di vetro opaca che devo vedere per afferrare le cose. È come hai detto prima in qualche modo: raggiungere l'infinito ti allontana dalla "vita facile", dal rilassarti e bere qualcosa con i tuoi amici! Quelle altre cose che amiamo fare che sono importanti, ma so che se facessi solo quelle non sarei quello che sono.
S: Quello che sto cercando di sperimentare ora è se cose semplici come le faccende domestiche possono essere sperimentate su un un livello più “alto”. Non per togliere importanza ad attività più complesse, come fare arte, ma per portare l'infinito nel quotidiano. Sai che le faccende domestiche sono davvero importanti, sono gesti semplici ma fanno la grande importanza… e viceversa a volte vorrei trattare l'arte in questo modo!
Z: Trattare compiti semplici come opportunità per elevare se stessi e le pratiche, che sono considerate elevate, come semplici compiti quotidiani è un'idea interessante. Perché non possono essere intercambiabili? Parte del motivo per cui penso che evitiamo i doveri domestici è perché si sentono come faccende appartenenti al regno del banale. E viceversa, molti di noi evitano di fare o addirittura guardare o interessarsi all'arte perché sembra così elevata ed elitaria e molte gallerie sono felici di mantenere questo modo. Il tuo punto di vista è così rinfrescante, consente una maggiore libertà di oscillare dal "banale" all’ "elevato" con facilità e senza risentimento.
S: E’ possibile che l'arte possa essere realizzata in un modo più diretto? Ovviamente devi avere molto tempo da trascorrere a casa ... In pratica è più facile con qualcosa come la poesia, hai solo bisogno di un pezzo di carta e una matita, mentre per me fare arte comporta molti tipi diversi di polvere e colori e il tutto può essere molto disordinato e quello che faccio è anche molto fisico. Questa fisicità è buona perché mi offre una sorta di lentezza in cui creare. I miei quadri non avvengono in un attimo, il processo è davvero bello ma è anche un grande sforzo farlo. All'inizio non c'è davvero nulla, è solo un po’ di polvere messa insieme, ma poi diventa solida e posso iniziare a lisciare la superficie… uso anche molta acqua… Vorrei pensare all'arte nello stesso modo in cui penso a cucinare, rifare il letto o pulire la casa (premesso di avere un buon rapporto con queste attività o anche di più che il tempo che trascorro a casa è tutto usato per sperimentare una qualità e un’intensità nell’essere). Questo atteggiamento forse deriva dalla lettura delle poesie di Emily Dickinson, una figura che amo molto. Lei è domestica nel modo in cui sperimenta il suo essere una poetessa. Per tre anni ho trascorso del tempo con lei ogni giorno. Avevo un libro al piano di sopra e uno al piano di sotto perché mi spostavo sempre in casa e lei era quasi come una presenza. All'epoca leggevo alcune poesie al giorno: era davvero come essere gomito a gomito con lei. Spalla a spalla.
Z: È un bel riflesso di come immagino che gli altri sentano te e il tuo lavoro, è possibile sentire la presenza di un autore in un'opera d'arte anche se non li hai incontrati di persona o hai persino guardato o letto una loro intervista. Nella mia esperienza la tua presenza è lì - voglio dire, dici che il lavoro non è più tuo quando è finito, ma in qualche modo devi essere tu, anche se sei il canale, tutto ciò che sei deve in qualche modo essere tradotto in una specie di essenza. Quindi anche se qualcuno vede il tuo lavoro senza incontrarti, come ho fatto inizialmente, o proprio come con te Emily, si connettono con questa essenza diciamo, anche se non sei presente nella stanza.
S: Ho incontrato alcune persone che avevano un mio dipinto o stavano per averne uno e sì, c'è un livello molto forte di connessione lì, ma la mia strategia è credere che io sono solo il canale e penso che sia importante avere questa concezione: l'alternativa è abbastanza pericolosa!
Z: Volevo chiederti delle "icone" che abbiamo già toccato, ma che so essere un filo conduttore del tuo lavoro.
S: Bene. In un certo periodo sorico hanno sviluppato questo modo di produrre un oggetto che non era un'opera d'arte nel modo in cui lo concepiamo ora, né rappresentava direttamente qualcosa, ma era una specie di porta per la percezione. Durante questo periodo in cui iniziò la pratica di creare icone, questi oggetti venivano creati per generare in qualche modo una sorta di risveglio della verità: l'icona non era una rappresentazione di qualcosa, ma era la cosa stessa. L'oggetto in sé aveva il potere di rompere il velo e mettere in contatto con l'”oltre” come dicevamo prima. E ovviamente a quel tempo era una pratica religiosa perché durante quel periodo la religione era ciò che ti consentiva di connetterti con le cose più alte. Non si trattava solo della capacità spirituale dell'oggetto, ma anche della specificità della sua forma fisica: ecco perché mi sento così connessa alle icone. Ho sostanzialmente capito che per me un'opera d'arte o un dipinto ha uno scopo specifico, è un oggetto che produce un effetto su di me e su molte altre persone che lo guardano, è di per sé un'entità che colpisce la percezione delle persone, le loro emozioni. La prova di ciò l’ho avuta molte volte parlando con molte persone. Quindi un'opera d'arte non è solo uno specchio, tornando alle parole che stavamo usando in precedenza, perché lo specchio è qualcosa che riflette semplicemente qualcosa, mentre l'opera d'arte, l'icona, è come la natura: come una tempesta che ti raccoglie e ne diventi parte e ti percepisci come parte di essa! È un oggetto solido, ma non è semplicemente una superficie riflettente che ti mostra una dimensione oltre i tuoi limiti apparentemente fisici, ti assimila in quella percezione della realtà per una serie di brevi momenti e quel sentimento può davvero essere durevole.
I pittori di icone dovevano e devono avere un certo livello di comprensione di quel meccanismo - ovviamente non sto dicendo che ho un livello o no, ma il modo in cui mi metto di fronte alla realizzazione di un'opera è molto molto simile. In passato ho lavorato con un approccio diverso, a volte ho semplicemente detto "ok, ho intenzione di fare una natura morta" - Sono anche un artigiano e molte altre cose oltre che un “artista”. Ma recentemente mi è davvero quasi impossibile stare di fronte a un dipinto se non seguendo quel processo, un processo che viene automaticamente "innescato", come quando qualcosa si accende e poi prende una vita propria.
Z: Una porta si apre, qualcosa scintilla, si agita e si accende.
S: Innescare significa ad esempio quando senti una parola e quella parola apre molte cose nella tua mente. Quindi, penso che sia la base del mio fare creativo. E anche per le icone, erano e sono realizzate in modo da poter riconoscere ciò che è rappresentato su di esse: figure di umani che possono essere santi, Gesù, o una madonna, o angeli, queste figure sono frutto di un'immaginazione collettiva che ci è stata tramandata dal passato. Potremmo dimenticare questa storia e vedere ancora che queste figure sono stilizzate, la stilizzazione non serve a semplificarle, ma a dire che si riferiscono a figure umane che non sono riducibili al corpo fisico. Queste figure, e in particolare i loro volti, non seguono un obiettivo descrittivo: non sono necessariamente belle nel modo in cui definiamo "bello" ora o anche nel senso classico. I romani e i greci avevano un concetto di bellezza che era magico e che riveriva certe proporzioni, mentre nelle icone non c'è nulla di tutto ciò. La bellezza dei volti è percepita con un altro tipo di senso, non è un sesto senso - non saprei che numero di senso sia! [Ride] Ma ha sicuramente un impatto estetico che ha lo scopo di produrre un effetto che va ben oltre la tua risposta all'aspetto figurativo dell'icona. Ho tenuto un laboratorio con alcuni bambini e abbiamo usato alcune immagini dei volti di icone antiche e ho detto loro che potevano iniziare da queste immagini ma non era necessario crearne una copia. "Dipingi semplicemente ciò che quell'immagine ti fa sentire", ed ero preoccupata che sarebbe stato troppo difficile per loro capire, ma si è scoperto che per loro era del tutto normale! E quello che è venuto fuori è stato molto significativo, un bambino è partito copiando l'icona ha iniziato cambiando alcune cose qua e la, spostandosi da una parte all'altra del volto, aggiungendo qualcosa e togliendo qualcos’altro, e ho visto che era così immerso in questo processo! E poi improvvisamente ha coperto tutto il volto con due colori, creando una sorta di maschera e su un lato del viso si poteva ancora vedere in trasparenza cosa c’era sotto... o come nel caso di molti altri bambini, nei loro lavori si vedeva che stavano dipingendo i loro volti senza nemmeno saperlo, quando ti viene presentata l'immagine di un'icona e la guardi davvero, si può aprire un processo di connessione con delle emozioni molto profonde… e questo è il punto.
[…]
Z: E che dire del tempo allora. Stai parlando di una percezione dell'esistenza umana in cui tutti i tempi sono potenzialmente presenti nello stesso momento: come vivi il tempo?
S: Whoooooosh! [Ride di cuore]
Inizierò dicendo che, sempre di più, col passare del tempo e invecchiando fisicamente, sento molto che sto percorrendo una serie di percorsi diversi e questi percorsi sono paralleli. Quando penso a quello che ho fatto nell'ultimo mese non ho un calendario specifico che utilizzo per mettere in ordine gli eventi: un piccolo momento apparentemente insignificante, successivamente può espandersi e diventa un ricordo estremamente significativo dal quale nascono sensazioni e visione che forse apriranno percorsi di vita reale. Forse nello stesso giorno in cui ho vissuto quel momento, avevo un appuntamento molto importante, ma non sarò mai più in grado di associare quei due avvenimenti, poiché il tempo non è una linea, o non solo, non è così semplice come dire "prima c’è questo e poi c’è questo", per me quella linearità è quasi scomparsa. Ad esempio, quello che sto facendo ora con te, probabilmente rimarrà in una sorta di bolla che col tempo avrà forse, nella mia percezione, una durata molto lunga. In termini di tempo lineare, probabilmente durerà tre ore, diciamo, ma so già che lo percepirò come una cosa di lunga durata, quindi non riuscirò a ricordare che è accaduto oggi ... che giorno è oggi? …(Ride)
Z: Em, sai che non lo so neanche io! So che mi viene richiesto di sapere che giorno è e che ore sono, ma trovo che i mesi volano e tutto ciò che posso fare è cercare di costruire la mia vita in un modo in cui quelle cose diventano secondarie e che essere nel momento è la cosa!
S: E’ quando sei immerso nel momento che dimentichi date e orari! E torniamo di nuovo alla connessione tra tutto. Quando ti siedi e non fai nulla per esempio, è davvero come se potessi viaggiare nel tempo: non ricordare le cose così come sono avvenute, ma continuare a vivere momenti che in qualche modo sono nel passato perché li hai già sperimentati, ma in un altro modo sono ancora attivi. Ti stanno ancora facendo qualcosa, e così puoi persino cambiare ciò che è accaduto allora, nel senso che riformulare il passato nel presente mentre lo rivivi può far sì che un'esperienza abbia un effetto molto diverso su di te rispetto a quando è avvenuta per la prima volta . E in questo modo, può influire sulla tua vita in futuro, anche quando non ricordi più quell'esperienza…
Z: Questo è ciò che siamo incoraggiati a fare da queste scuole di pensiero che promuovono la meditazione - una ricerca molto orientale – non per dimenticare la linearità del tempo ma per capire che tutto è ora, incessante. Rimuginare sul passato e sul futuro non è ovviamente consigliato, ma se ti incoraggia a sedere nel tuo posto nel mondo, che sia in termini di tempo, relazioni, comprensione dell'universo nel suo insieme, è consigliato: e il percorso per arrivarci è attraverso l'esplorazione di questa dimensione "invisibile" dell'essere umano . Credo che lo troviamo così difficile perché ci preoccupiamo costantemente di "cosa è successo", "cosa avrei dovuto fare", "cosa avrei dovuto dire", e poi cosa accadrà o cosa potrebbe accadere e così via. La tua capacità di rimanere nel momento ed essere in questo modo di vivere il tempo - l'hai sempre avuta?
S: Oh no, beh, non l'ho ancora capito, davvero, non voglio apparire come qualcuno proiettato chi sa dove e con chi sa quali capacità! In questo caso, ho voglia di parlare del fatto che ho potuto trascorrere molto tempo da sola e ho avuto il privilegio di essere in un posto, comodo, dove si poteva essere rilassati, cosa davvero importante . E, potevo scegliere di non fare nulla e aspettare fino a quando arrivava un sano impulso ad agire e questo fa una grande differenza nel modo in cui si percepisce la consecutività dell'esperienza, essendo in grado di essere davvero presente momento per momento. È come se fossimo tutti un po' intrappolati da ciò che dobbiamo fare. In un certo senso è anche utile essere vincolati da compiti ordinari, è uno strumento per poter interagire con la realtà, la linearità del tempo, il fatto che ci sia un prima e un dopo. Ma essere in grado di sperimentare una diversa interazione con il tempo è davvero fondamentale, e puoi farlo solo se puoi essere rilassato e per lo più solo. Almeno all'inizio. È quando sei solo che puoi concentrarti su ciò che senti, puoi essere fermo e non succede nulla, c’è silenzio e poi all'improvviso senti che sta succedendo tutto! Ma questo "tutto" non è disponibile nell'esperienza del tempo come la maggior parte di noi solitamente percepisce, che sarebbe passare da un compito all'altro. Il tempo è una convenzione, è solo un'abitudine, una sorta di “cattiva” abitudine nel nostro mondo occidentale...
Z: Anch'io mi ritrovo a perdere una quantità eccessiva di concentrazione sui compiti mentali, perdo tempo a pensarli troppo, e si espandono e mangiano tempo che avrei potuto passare da sola, per rilassarmi e mettermi in uno stato in cui la creatività, o come abbiamo detto la "canalizzazione" diventa possibile.
S: Questo è il modo in cui è organizzato il mondo, non credo davvero che ci sia un reale bisogno di vivere perpetuamente in questo programma così denso e questa idea di mettere le cose in una scaletta, tipo dalle 9 del mattino alle 5 del pomeriggio, cinque giorni alla settimana sia arbitraria. È un tipo di schema che non rispetta i ritmi naturali del nostro organismo, a parte la notte e il giorno, ma a volte anche questo non viene rispettato. Probabilmente è un eccesso di razionalità e la razionalità è una cosa molto buona, ma non è l'unica cosa importante. Ciò a cui scegliamo di attibuire una grande importanza fa una differenza enorme nel modo in cui saremo in grado di fare esperienza della vita. Ad esempio prendiamo il concetto di eternità: razionalmente parlando, ovviamente non è possibile per noi umani fare esperienza dell’eternità perché moriamo, tutti noi, non c'è dubbio. Ma quando diciamo "eternità" anche se non sappiamo esattamente cosa vogliamo dire, cosa vogliamo esprimere, il fatto che lo diciamo significa che abbiamo la capacità di percepire questo diversa modalità temporale, questo stato di 'nessun tempo', o di non essere vincolati dai costrutti del tempo razionalmente concepito. Altrimenti non saremmo nemmeno in grado di pensare a qualcosa come l'eternità. L'eternità è anche qualcosa che continua ad accadere, e che accada nel “tempo esterno” o nella tua percezione, forse non è così importante.
Z: Vuoi dire un'eco? Un singolo momento potrebbe essere eterno, come ci sono alcune cose che ricordi sempre, che rimangono con te e non sono più incatenate all'ordine lineare del costrutto del tempo? Riecheggiano come onde e in qualche modo è attraverso qualcosa del genere che possiamo percepire un tale concetto come l'eternità anche se non possiamo concettualizzarlo?
S: Non sono sicura che possiamo capirlo, ma possiamo percepirlo. È una cosa complicata perché quando capisci qualcosa, ne esci, come stavi dicendo quando hai avuto quei momenti di euforia, non sono sicura che stavi capendo in modo razionale.
Z: Assolutamente no! Era qualcosa di completamente diverso. Non appena ho cercato di razionalizzarlo o afferrarlo, è scivolato via dal campo della mia coscienza.
S: Sì, e questo è qualcosa che può essere fissato nella memoria, il sentire - non il pensiero del sentire ma il sentire in sé ed è attraverso la memoria, attraverso il tentativo di incontrare di nuovo quel sentire che la vita diventa un’esperienza sempre più intensa, potente e significativa.
Z: Quindi quando parli di veli, diresti che quello è il velo di fronte all'esistenza? Tra il modo in cui pensiamo giorno per giorno e il modo in cui potremmo sperimentare noi stessi come parte di tutto il resto se lo sollevassimo? E può qualcosa come la pratica dell'arte o sperimentare l'arte creata da un altro essere è un modo per farlo? Quando è fatto in modo vero, con quella vibrazione.
S: Quando si tratta di arte, ovviamente il risultato è importante perché è ciò che sei in grado di condividere fisicamente, ma ciò che credo sia ancora più importante è il processo. Attraverso di te avviene un processo e si manifesta un risultato che è il dipinto, così si permette alle persone che si trovano di fronte a quel dipinto di sperimentare lo stesso processo. Forse il dipinto non è molto "bello"! Forse ci sono cose che avrebbero potuto essere fatte meglio, o un critico potrebbe dirti questo o quello. Ma penso che se hai raggiunto il punto in cui permetti ad altre persone di sperimentare quel processo, che lo sappiano o no, potrebbe essere già tutto. Il processo è più importante perché è attraverso il processo che ti metti in contatto con quell’oltre, come un sentire continuo. E già scompare quando si cerca di descriverlo! È come quando nuoti, non pensi al nuoto, continui ad avere la sensazione di essere immerso in una sostanza fluida e galleggi, ed è quello di cui sto parlando quando si tratta di arte: non è la sua conoscenza o il pensarci, il pensare ti riporta via all'improvviso. Durante il Rinascimento, penso che gli umani iniziarono a capire che avevano la capacità di comprendere ciò che erano in modo razionale ed era ovviamente necessario attraversare quel processo di autorealizzazione perché fu attraverso questo che la comprensione divenne una specie di strumento, uno strumento sì, che è prezioso! Ma come strumento appunto non dovrei usarlo sempre e per tutto, pensando che sia la mia essenza, ad esempio se si possiede un martello, non significa che si debba andare a martellare tutto ciò che si vede intorno a se. No, è un martello, basta usarlo per piantare un "chiodo" ad esempio, o rompere il guscio di una noce! E poi lo si mette via, e lo si riprende quando se ne hai bisogno di nuovo, tutto qui!
Avevo esempi migliori una volta! Ma sono un po 'fuori forma. In Sicilia, trovo che sia molto diverso il modo in cui si interagisce con le persone. Quindi all'inizio mi è stato difficile, per quasi un anno non ho quasi parlato, ho avuto la sensazione di avere la lingua legata, come se non avessi le parole giuste.
Z: Sembra di tornare ad essere come un bambino e preoccuparsi di fare e dire cose sbagliate, o di essere un adolescente e preoccuparsi di non essere “fighi”!
S: Sì, forse questo è l'effetto che il grande cambiamento che sto attraversando ha avuto su di me all'inizio. Ma in Sicilia ho incontrato anche alcune persone con cui mi sento connessa, e forse perché manca un certo tipo di comunicazione, sento altre cose in modo più forte. C'è un aspetto fisico in Sicilia che è molto più forte di quello che ho vissuto in altri posti come qui in Umbria. Fisico, non in relazione al contatto reciproco, ma nel senso che il corpo è più presente. E’ meno mentale, meno dominato dalla mente. E questo atteggiamento mi sta insegnando molto, da un lato perché ho la tendenza a ... ho una mente abbastanza forte e spesso è iper attiva. È bello imparare a percorrere altre strade, a un certo livello la "mente" diventa davvero un ostacolo. Quando inizi a usarla solo come strumento per sintetizzare, organizzare e mettere insieme situazioni diverse, la prima cosa che ti succede è qui, inizi a tremare, a vibrare...
Z: Nel petto, nel cuore?
S: Sì, all'inizio fa un po’ “paura”. Non penso che sia perché sei aperto, sei aperto anche se la tua mente è molto attiva, non è tanto il fatto di essere chiusi per la maggior parte del tempo quanto piuttosto il fatto che le cose sono sempre relegate nella testa e non lasciamo che le esperienze rimangano nel cuore a lungo, che vengano sentite lì
Z: E poi è anche possibile dimenticare momentaneamente che hai un corpo perché sei solo nella testa. Ed essere così ti allontana dall'abitare i momenti della tua vita mentre passano uno per uno.
S: Pensiamo di “sapere” e questo è un inganno: sapere le cose non significa che le si sta vivendo, la mente è così potente che può farti credere ciò che vuole, allo stesso modo può derubarti delle tue esperienze. E quella capacità può essere utile forse per alcune persone in determinate situazioni, non sto dicendo che sia negativa, ma la chiave qui è che quando sei in grado di mantenere il centro qui nel tuo… nel cuore, la vita è completamente diversa. Ciò che arriva e il modo in cui puoi interagire con ciò che ti circonda è diverso, è più forte, è ... Non so dirlo in parole, non è descrivibile con le parole. Ma so che riesci a percepire davvero il tuo cuore quando fai uno sforzo per praticare questo modo di relazionarti con la tua esperienza della vita. Se tutte le persone fossero in grado di farlo il mondo sarebbe un luogo molto diverso.
Z: E come dicevamo prima, cercare questo tipo di elevazione senza togliere i piaceri quotidiani offerti, ma elevandoli persino in qualche modo, così che diventiamo più consapevoli della pletora di esperienze terrene a nostra disposizione . Non è che uno possa esistere solo senza l'altro e devi rinunciare completamente a una sfera per abitare nell'altra. Penso che molte volte la gente abbia la percezione che sia così: devi scegliere un percorso, distaccato e illuminato o rimanere nel trambusto del mondo rimanendo ignorante a ciò che è là fuori. Temo che impedisca a molte persone persino di iniziare a esplorare – a me lo ha impedito per molto tempo! E sono ancora alle prese con quella paura. Ma come dicevi prima su percorsi e scelte diverse che corrono parallele, questi sono due modi di essere che potrebbero correre paralleli ed entrare e uscire come nei tuoi quadri. Sai, visibile, non visibile, visibile, non visibile, e questo va più che bene. La vita non deve essere una cosa o un'altra, il vecchio detto "quando chiudi una porta se ne apre un'altra", è miope: guarda! Tutte le porte sono sempre aperte: basta avere il coraggio di attraversarle, potresti non essere sempre in grado di tornare indietro, nel senso che non puoi non sapere ciò che sai, ma puoi fare una svolta a sinistra o a destra e deviare un percorso se trovi che non funziona per te. Viviamo in technicolor e sfumature di sfumature di sfumature di quei colori. Il nostro mondo è tutt'altro che in bianco e nero.
S: Riguarda anche la riconciliazione di due mondi sì.
Ora mi hai fatto riflettere sulla trasparenza e sul tempo. Diversi anni fa, lavorando alle mie figure, avvertivo il fenomeno per cui l'essere umano che stavo dipingendo era composto dalla materia della pittura, come fosse una sotanza sulla quale accadevano eventi, che potevano essere graffi, macchie di colore, raschiature o grumi, erano azioni pittoriche per me, che come risultato avevano la creazione di una immagine e della sua relazione con la memoria, con l’essere immersi e composti di questa materia sottile e mobile che è la memoria, in questo modo era come se fissassi un istante e questo istante rivelava una specie di mappa di eventi passati fissati in una sorta di tempo eterno, come un’istantanea se vogliamo. E ora quello che sto dipingendo non è più un momento fisso nel tempo che mostra segni del passato e graffi guadagnati, ma è davvero come vedere diversi momenti accadere contemporaneamente. […]
Z: Siamo molte cose e giochiamo molti ruoli e al centro di tutta questa complessità interagiamo con il mondo fisico attraverso i nostri sensi che sono così legati al regno fisico e apparentemente "solido" e che tuttavia sono le porte della percezione che può piegarsi e curvarsi ben oltre i vincoli fisici dell'universo osservabile.
S: Penso che in questa nuova fase del mio lavoro ciò che può essere correlato al tempo è l’azione del ricoprire. Ad un certo punto il dipinto è molto luminoso, è molto colorato ed esprime qualcosa di molto chiaro (di solito), a quel punto ricopro, tutto, e poi vado a riscoprirlo di nuovo e ovviamente esce qualcosa di diverso, non sarà mai quello che è stato e sarà quello che ora scopro essere. E questo mi dà la sensazione di grandi cicli di tempo che coprono e rivelano sempre una sorta di verità sotto la superficie ... Comunque, ciò che sta avendo un forte impatto su di me, al momento, è il fatto di essere svanita, come esplosa in piccole particelle brillanti che possono dissolversi, diventare fiori ad esempio o qualunque altra cosa. In precedenza, la costruzione del mio lavoro proveniva molto dall'idea di ciò che stavo sperimentando come persona e poi questa idea veniva sviluppata in un’ immage. Ora tutto inizia con una visione che può scaturire da qualsiasi cosa, c'è molta libertà... È meno mentale.
Z: Quella sensazione di essere dentro tutto e che tutto sia parte di te e il non essere in ansia per questa sorta di dispersione, beh, deve essere davvero meraviglioso. Prima parlavi di una specie di morte e poi di rinascita. Quando dici una specie di morte quello che sento è che ti stai staccando dal vedere te stessa in un modo, dal vederti come un'entità confinata nel tuo corpo e invece ti percepisci come parte di tutto il resto, in ogni momento. E quella descrizione dell'esistenza produce abbastanza ansia per molte persone, che vogliono invece identificarsi con una cosa, un io definito in cui riconscersi e hanno bisogno di quella sicurezza. Ma in realtà quello che stai dicendo è che ciò che hai scoperto durante il tuo viaggio artistico e personale… è che questa sicurezza non può essere trovata solo aggrappandosi, afferrando e cercando di contenere e concettualizzare te stesso in qualsiasi tipo di relazione finita, concetto o confine personale, ma in realtà la si trova lasciandosi andare e rendendosi conto che si è già tutto. Quindi il tuo passaggio attraverso la vita mentre cambi e sai che alla fine moriremo tutti, non è un passaggio in cui ti perdi, ma in realtà è un passaggio in cui vivi sempre di più ciò che sei sempre stato. E questo anche per me personalmente, è rivelatore. Perché penso che nutriamo molta ansia per questo argomento.
S: Sappiamo che il nostro mondo, specialmente qui in Occidente, è molto orientato verso l'ego, ma per me la sensazione di poter essere tutto, il dissolversi o come vogliamo chiamarlo, è una liberazione, è come "ahhhh, finalmente ”, come se l'altro modo di essere non fosse naturale a un certo livello. Ovviamente vivere in una società e avere un ruolo essendo soggetti a un certo tipo di pressione, di performatività, naturalmente rende l'idea di perdere identità molto spaventosa. Psicologicamente parlando penso che funzioniamo se possiamo dire "io" e questo io è come una piccola isola nell'oceano ed è positivo che ci sia quest'isola, il nostro intero sistema psichico credo subirebbe uno shock se improvvisamente realizzasse il vero funzionameto di tutte le cose senza il rifugio che quest'isola offre. Quindi, da lì si può viaggiare in una sorta di "nulla", o meglio di "spaziosità", come direbbe Eckhart Tolle.
La sfida reale è quella di nascere nel mondo e collocarsi in un ambiente familiare in cui le nostre vite sono strutturate e riempite fino all'orlo di questo pensiero su ciò che siamo, ciò che dovremmo essere, ciò che saremo ... riempiti delle aspettative e delle concezioni di altre persone... le conseguenze del condizionamento sociale a livello psicologico sono davvero un problema. Da un punto di vista sociale, come artista, essere nel mondo dell'arte mentre cerchi di sviluppare la tua integrità come essere umano può essere un compito molto difficile; ad esempio dover spingere e tirare e dibattersi per poter apparire, per sfondare il muro del successo, non sono attività salutari. Ma anche tenersi completamente fuori dalla comunicazione con coloro che operano in quell’ambito credo sia sbagliato. Il fatto che tu stia facendo qualcosa in modo professionale e sia inserito in una società, non emarginato, o in isolamento, è importante. E vero che più vai avanti nella percezione di qualcosa di più alto di quello che pensavi fosse possibile, più ti da inquietudine la cosiddetta lotta per emergere e devi sempre adattarti per trovare un modo che possa essere accettabile…
Ti ritrovi spesso in una sorta di posizione sospesa da dove non è facile muoversi. Ma forse inizi a dare più importanza alla condivisione, ad esempio, alla possibilità di fare cose con altri artisti ai quali ti senti connesso. Quindi c'è voglia di aiutarsi a vicenda, di fare le cose insieme, di non dire "io, io, me" e questo è già rivoluzionario nel nostro mondo! Ma anche, questo non deve essere fatto sentendosi un eroici...
Ad esempio, poco prima di trasferirimi in Sicilia e cominciare questo nuovo ciclo di vita, tutto era diventato davvero facile, lineare, non era la mia immaginazione era davvero così. Quando ho raggiunto questa sensazione di appagamento ho iniziato a sentire che qualcosa non andava. Ad esempio quando parlavo, mi sembrava le mie parole fossero meno vere, meno spontanee, sembravano delle ripetizioni vuote di qualcosa che avevo già detto. Così tutto ha iniziato a cambiare di nuovo, la vita stessa ti ributta nella mischia e rimescola le cose e ti mette in difficoltà per farti vedere che hai davvero molto da imparare. Aggrapparsi a ciò che si è già raggiunto, al proprio piccolo piedistallo, non fa bene… Quando mi sono trasferita in Sicilia, dopo un lunghissimo periodo di solitudine, ho sperimentato delle situazioni molto diverse, un ambiente più incentrato sulla famiglia ad esempio, quindi come donna mi è sembrato di assumere "un ruolo" che di solito non avevo, in cui non mi riconoscevo. Ero abituata alla solitudine, come ho detto. Ma credo che essere immersa in questo tipo di ambiente, avendo già sviluppato una sorta di libertà interiore, mi sta insegnando molto, quindi voglio imparare e darmi l'opportunità di vedermi da altri punti di vista e lavorare su me stessa . Altrimenti diventa tutto così raffinato ma irreale, o forse reale ma molto parziale ...
Z: So che hai parlato degli aspetti terapeutici dell'arte, come vedi che cosa stai facendo con il tuo laboratorio come una sorta di atteggiamento terapeutico che va avanti? Dove ti vedi andare?
S: Personalmente non vedo l'arte come una forma di terapia, ma credo nel potere dell'esperienza: se si possono creare le giuste condizioni per consentire agli altri di sperimentare qualcosa di significativo, allora l’esperienza stessa farà la differenza. Ho iniziato a lavorare a questa idea del laboratorio dopo aver letto l'introduzione al libro Teologia della bellezza di Pavel Nikolaevic Evdokimov e anche Le porte regali di Pavel Florenskij; entrambi affrontano il tema delle icone e di questi aspetti di cui abbiamo parlato prima, e dopo aver letto questi libri ho sentito che personalmente avrei potuto a poco a poco lasciare l'icona ma che era possibile riprodurre questa esperienza e condividerla con gli altri. Non esattamente come l'avevo vissuta io, (per me è stato il processo di dipingere il volto e distruggerlo e poi dipingerlo di nuovo e distruggerlo ancora… una cosa molto forte, psicologicamente). Ma questo senso di vicinanza alle Icone è rimasto con me, è cresciuto ed è diventato questo laboratorio. So di avere l'energia per farlo. Vorrei che fosse un'esperienza più che un laboratorio. Sono stata molto contenta dell’esperienza fatta in Francia, cercherò di farlo, soprattutto nelle scuole. Inizierò l'anno prossimo e ho già alcuni appuntamenti. Proverò anche con gli adulti, ma so che con gli adulti sarebbe forse più difficile distogliersi da certi condizionamenti, gli adulti spesso sono molto attaccati al risultato ... al "riuscire" o "fallire", non si lasciano andare all’esperienza.
Z: Penso che gli adulti abbiano bisogno di più di questo, abbiamo così paura di fallire, quando i bambini cadono si rialzano.
S: Sì, per i bambini, la sensazione di fallimento sembra durare pochi secondi! Quindi non è più un fallimento, è qualcos'altro, è uno sviluppo diverso di ciò che stanno creando, mentre per gli adulti, quando si attaccano a un'idea, se il risultato non è come pensano che dovrebbe essere, la sensazione di frustrazione cresce molto e li blocca completamente. Il seminario è per tutti, dagli otto ai 120 anni! E non è necessario avere già delle competenze. Lo dico perché non voglio si pensi che il lavoro finale sia più importante dell'esperienza.
Z: Quindi dovremmo mettere da parte quella mentalità, l'atteggiamento del “sono bravo” o “ho fallito” e dovremmo solo appoggiarci al valore dell'esperienza piuttosto che cercare di uscire con un'immagine perfetta
S: Sì, la cosa fondamentale è prendere il pennello e farlo! In questo caso ciò che conta è il fatto che guardi qualcosa che ha profondità. Il motivo per cui comincio con l'icona è che l'icona non è bella in modo comune, è strana e subito hai a che fare con qualcosa che non ti fa sentire "normale". Ti sbilancia, fa emergere una serie di reazioni, molto lontane da "oh, ho intenzione di fare un bel disegno".
Z: Che, in realtà, è qualcosa su cui stavamo riflettendo all'inizio di questa conversazione, che puoi avere un disegno davvero eccellente di un fiore in una vaso ad esempio, ma potrebbe anche essere completamente privo di emozione, vitalità e anima. È chiaro nell'arte quando il risultato è stato più importante del viaggio.